Blog de Fotografía y Procesos Digitales

¿HDR sin complicaciones?

2011-11-25T10:55:00.000-06:00

Recién me topé con un producto que me hizo pensar en toda la gente que quisiera experimentar con la fotografía de Amplia Gama Dinámica, o HDR, pero que no tiene el software especializado o los conocimiento para usarlo y que su cámara digital tampoco tiene la función integrada.

Imagen original

Lamento decir que este producto, que se llama HDRtist, es sólo para Mac (se puede descargar directamente de la AppStore), pero dado que es gratis, consideré importante escribir sobre él. Sobre todo porque, sin ser un programa orientado al mercado profesional, produce resultados dignos de mención.

La interfaz es, sin duda, la más sencilla que he visto. Sólo hay una ventana hacia donde se arrastra la(s) foto(s) que se desea convertir en HDR. Así es, puede ser una o más. Con una foto, lo que se logra es un falso efecto HDR (ver las imágenes de la derecha); falso, pero muy convincente, dependiendo de la calidad de la imagen. Con varias fotos, el resultado es mejor.

Imagen modificada con HDRtist

Para hacerlo funcionar con varias imágenes, basta con elegir las fotos que se desea usar y arrastrarlas a la ventana, como dije líneas arriba. El programa hace el resto. Sólo hay un control deslizable para aumentar o disminuir el efecto, que aplica uno de 3 métodos disponibles de distribución de tonos (tonemapping) y algunos puntos intermedios. Nada más. No hay manera de eliminar los fantasmas creados por diferencias entre las imágenes y la herramienta de alineación es algo rudimentaria, pero efectiva. No hay manera de rescatar las sombras o las altas luces por separado ni manera de hacer resaltar los detalles, sólo se puede aumentar o disminuir la saturación. Pero, ¿qué esperaban de un programa cien por cien gratuito?

Algo que me maravilló es que, además de JPEG y TIFF, el programa puede abrir archivos PSD, DNG y RAW y, al parecer, aprovechar la latitud de exposición de estos últimos. El archivo resultante puede guardarse como JPEG o como TIFF, o como un archivo de “vista previa” que después se puede abrir para seguir jugando con él.

Y, en efecto, este pequeño programa es prácticamente un juguete, pero les permitirá disfrutar las delicias de la HDR… sin complicaciones.

Esta imagen se creó a partir de otras tres (normal, -1 EV y +1 EV). En la parte superior se puede ver una línea como resultado de una alineación defectuosa de las imágenes originales.

Taller de Foto Documental al Estilo NatGeo en Saltillo, Coah.

2011-11-16T14:06:00.004-06:00

El fin de semana del 11 al 13 de noviembre pasado, un grupo de 40 personas, desde estudiantes hasta fotógrafos profesionales, vivió la experiencia de uno de los talleres de Iconofilia que más expectativas genera: el Taller de Fotografía Documental al Estilo NatGeo.

El taller inició a las 6 de la tarde con un lleno total en el auditorio “A” de la Universidad Autónoma del Noreste, la institución anfitriona. Jesús Eduardo López Reyes, colaborador de Iconofilia, mostraba sus imágenes y platicaba sobre su contenido y la forma en que las había logrado. Como nunca falta, alguien entre el público susurraba: “¿Y eso qué? Cualquiera puede tomar fotos como ésas.” Hasta que apareció la primera “foto de ésas” publicada como portada de la famosa revista National Geographic. La gente vibró y sus rostros se iluminaron.

A esa portada siguió otra y otra. Al terminar la conferencia, el ánimo era tal, que poco faltó para que todo mundo saliera en ese mismo momento a tomar fotos.

No tuvieron que esperar mucho, porque a la mañana siguiente, a eso de las 5 a.m., el grupo ya estaba reunido en el estacionamiento de la UANE para abordar el autobús que nos llevaría a la primera lección de fotografía.

En una hermosa hacienda del siglo XVII montaron cámaras en los tripiés y escucharon, atentos, mientras Jesús explicaba cómo iban a “pintar” la fachada de la capilla con una poderosa lámpara. Con exposiciones tan largas como 30 segundos, las cámaras dispararon una y otra vez en una especie de coro tecnológico.

Los alumnos se preparan para fotografiar la capilla.

La capilla al amanecer

Poco más tarde, nos brindaron acceso a la casona principal de la hacienda, donde los alumnos se dieron vuelo retratando reliquias, muebles antiguos y rincones que seguramente guardan interesantes historias y recuerdos. También visitamos el interior de la pequeña capilla, con sus pisos y techumbre de madera.

El interior de la capilla

Después del desayuno, ya de regreso a la UANE, el grupo se dividió en dos: la mitad tomó el módulo de Composición, con Eloísa Nisimura, mientras la otra mitad aprendía las bases de la Edición Paramétrica con un servidor. Los comentarios no se hicieron esperar: “No sabía que se podía hacer esto” o “Con esto me acabas de cambiar rotundamente la forma de ver las cosas”. En plan de broma les dije que ahora fueran a sus casas y no pensaran en otra cosa que Photoshop.

Por la tarde, volvimos a abordar el autobús para dirigirnos a Porvenir de Jalpa, una pequeña comunidad en el ejido de General Cepeda, donde al asombro de ver y fotografiar huellas fosilizadas de dinosaurios de varias especies se sumó más tarde una hermosa puesta de sol y una espectacular vista de la Vía Láctea. Por espacio de casi una hora, absortos, los alumnos fotografiaban el firmamento, hasta que apareció la luna llena por el horizonte; primero un leve resplandor, luego el satélite completo en toda su magnificencia. Entonces las cámaras cambiaron de ángulo.

El maravilloso paisaje del desierto coahuilense

Como parte de la aventura, el autobús en que viajaban los alumnos (nosotros íbamos en un auto aparte) se atascó y, después de muchos intentos, hubo que remolcarlo con un tractor en medio de la oscuridad. Aun cuando este proceso llevó cerca de hora y media, los ánimos nunca decayeron. Así de fuerte estaba la emoción.

El domingo tuvimos una plática y otros dos módulos de Composición y Edición Paramétrica. Por la tarde, el C.P. Miguel Gutiérrez Iracheta, Director del plantel Saltillo de la UANE, llevó a cabo la clausura oficial. Pero esta fabulosa aventura no termina ahí. Como en todos los talleres de Iconofilia, seguiremos en contacto con los participantes, ya sea vía correo electrónico, Facebook, Twitter o Skype, con asesorías, consejos o, simplemente, un saludo, pues, como suele suceder en estos casos, han nacido nuevas amistades que seguramente habrán de durar toda una vida.

El grupo de fotógrafos

Si deseas conocer más sobre nuestros talleres de fotografía y procesos digitales, visita nuestra página: www.iconofilia.com

Taller de Fotografía Documental al Estilo NatGeo

2011-10-21T16:57:00.000-05:00

Ahora que estamos a muy poco tiempo de que inicie el Taller de Fotografía Documental al Estilo de NatGeo en la Universidad Autónoma del Noreste, Campus Saltillo, se me ocurrió comentar en qué consistirá este taller.

Al igual que en los avances de las películas, empezaremos por el reparto. Los instructores somos Jesús Eduardo López Reyes, fotógrafo mexicano cuyas imágenes han llegado a la portada de la edición internacional de National Geographic (y razón por la que el taller se llama Fotografía Documental al Estilo NatGeo); Eloísa Nisimura, artista visual con una aguda visión e interpretación de lo ordinario, reconocida por su espectacular trabajo sobre la fiesta brava (es una de las muy pocas mujeres a quienes se permite acceso al callejón en las plazas de toros); y un servidor, fotógrafo experto en los procesos digitales que tienen lugar en la etapa de post-producción.

El primer día del taller, por la tarde y a manera de bienvenida, con los participantes instalados en un salón de la UANE, Jesús nos ofrecerá una interesante presentación retrospectiva de su trabajo, siempre plagada de anécdotas y maravillosas fotografías, y responde a las preguntas de los asistentes. En otras ocasiones en que hemos ofrecido este taller, casi todas las preguntas parecieron estar centradas en un mismo tema: ¿cómo logra un fotógrafo que sus imágenes aparezcan en la revista?

Al día siguiente, muy temprano (prácticamente de madrugada), saldremos a nuestro primer ejercicio fotográfico. Jesús hábilmente dirige al grupo, despertando ánimo en todos y explicando lo que funciona y lo que no cuando se trata de una comisión. También ofrece una serie de consejos sobre la forma de lograr mejores fotografías sin hacer gastos onerosos. En una economía como la nuestra, eso resulta de gran interés.

Al terminar el ejercicio, regresaremos a la institución sede, donde, después de un breve descanso, el grupo se dividirá en dos para asistir a la primera parte de los dos seminarios-taller que tenemos preparados. La mitad de los participantes aprenderá con Eolísa un poco sobre la composición fotográfica en múltiples niveles y capas mientras la otra mitad aprende conmigo las bases para el diseño de un flujo de trabajo profesional y los fundamentos de la edición paramétrica (no destructiva), tan importante ahora que no hay negativos. Un par de horas más tarde, los grupos cambiarán de salón.

Por la tarde, después de comer, saldremos en nuestro segundo ejercicio fotográfico, del que regresaremos ya cerca del anochecer. Cada quien descargará las fotos del día y nos hará llegar una selección de las mejores. Y mientras todos duermen, nosotros imprimiremos la selección de la selección, para una exposición que quedará en las instalaciones de la UANE durante toda la semana posterior al taller.

A la mañana siguiente, saldremos al tercer ejercicio fotográfico. Hay que recordar que se vale hacer todo tipo de preguntas durante estos ejercicios. Sólo así se aprende. Los tímidos siempre se quedarán con dudas. Al terminar este tercer ejercicio, volveremos a las instalaciones de la UANE para la segunda parte de los seminarios-taller. Por la tarde, después de comer, nos reuniremos a comentar las fotos y la experiencia. El rector de la UANE nos acompañará, entonces, para hacer la clausura oficial del taller y entregar las constancias de participación.

Es difícil narrar todo esto en tan pocas palabras. Lo mejor es asistir al taller y ver de primera mano lo que ahí sucede. Así pues, si andas por el rumbo o tienes manera de llegar por allá, te invitamos a que asistas. Sabemos, por experiencia, que las vas a pasar muy bien.

Si deseas mayor información, visita la página del taller (http://www.iconofilia.com/pages/curso_natgeo.html). Si quieres inscribirte de una vez, llena el formulario de la página de registro (http://www.iconofilia.com/pages/saltillo/register.html) o escribe a taller.natgeo@iconofilia.com.

Síguenos en Facebook y Twitter.

Muerte de un Visionario

2011-10-05T19:38:00.003-05:00

De la Apple IIe a la novedosa iPad, Steve Jobs como visionario muy adelantado a su tiempo ha dejado huella en muchos de nosotros.

Cuesta trabajo creer, como suele suceder cuando alguien como él muere, que ya no estará ahí más que en nuestros recuerdos; que aunque sigan sus pasos los muy talentosos empleados de Apple, las ideas, la visión, fueron suyas.

Ahora nos dicen que el fundador de Facebook podría ser el nuevo gurú de la tecnología. Difícilmente. No es lo mismo crear un sitio web, por muy exitoso que sea (¿además, acaso no están ahí también Google y Flickr y Twitter?), que crear un modelo a seguir, una tendencia, un estilo de vida. Porque Apple ha sido eso, justamente. Y todo se debe a él, a su visión, a su manera de romper paradigmas.

Alguien podría decir que con dinero se logra cualquier cosa. En ese caso habría que recordar que Jobs empezó con nada en la cochera de la casa de sus padres (adoptivos, por cierto). Empezó de cero y llegó tan lejos como sólo él podría haberlo imaginado. Y creo que de eso se trata, de echar a volar la imaginación y vivir en congruencia con ella. Y sobre todo, divertirse con lo que uno hace y disfrutarlo. Encontrar en el resultado de nuestros más alocados sueños un motivo para seguir viviendo. Así vivió Jobs: disfrutando con gran satisfacción todos y cada uno de sus proyectos, a diferencia de la mayoría de las personas de negocios, que sólo piensan en las finanzas y en las reuniones del consejo de administración.

Eso me recuerda el título de un libro de Eric Fromm: ¿Tener o Ser? Jobs, sin duda, fue. Llegó a tener mucho, sí, como suele sucederle a toda persona que primero es.

10 Consejos Prácticos para la Fotografía Digital

2011-09-29T19:55:00.000-05:00

1. Mantén la cámara firme. La forma en que sostienes la cámara te ayudará a evitar la típica foto movida.

Si usas una DSLR, apoya el cuerpo de la cámara sobre la palma de tu mano izquierda mientras la estabilizas con la mano derecha y oprimes el botón del obturador sólo con un movimiento del dedo índice. Usa una velocidad de obturación lo más parecida posible a la longitud focal del lente que estés usando y procura usar un tripié o algún otro soporte firme para velocidades por debajo de 1/15 de segundo. Si vas a encuadrar en forma vertical, gira la cámara en sentido opuesto al de las manecillas del reloj, de modo que tu mano derecha quede arriba.

Si usas una cámara compacta, de esas con las que compones la toma fotográfica en la pantalla posterior, usa ambas manos para sostenerla; si vas a usar el zoom para acercarte a un sujeto, apoya la cámara en alguna superficie firme. Aunque sea muy ligera, el tenerla al final de tus brazos extendidos casi invariablemente implica un movimiento vertical, sobre todo al momento de disparar, y las cámaras compactas suelen tener un pequeño retraso en el disparo, lo que aumenta la posibilidad de una foto movida.

2. Mantén la cámara alineada con el horizonte. No importa qué piensen algunos, una foto chueca es una foto chueca a menos que haya una poderosa razón de composición que justifique la desviación del horizonte y que resulte evidente en la imagen misma, sin que el fotógrafo tenga que explicar por qué lo hizo. Si tienes que explicar por qué una foto es buena, es que no lo es.

3. Usa el ajuste ISO más bajo que tenga tu cámara. A diferencia de la película fotográfica, donde la sensibilidad se basa en la cantidad y tamaño de los granos de haluro de plata que contiene la emulsión, un sensor digital tiene una sola sensibilidad: la más baja. Las demás se logran mediante la amplificación de la señal fotoeléctrica, lo que inevitablemente tiene como resultado ruido digital en la imagen.

4. Usa un ajuste definido de Balance de Blancos. El balance de blancos automático no siempre brinda la temperatura de color adecuada para una fotografía. Es preferible usar la escala de grados Kelvin de la cámara. Y si tu cámara no cuenta con una, usa los ajustes preestablecidos para luz de día, día nublado, luz de tungsteno, etc. A la hora de editar, particularmente cuando has hecho muchas tomas en las mismas condiciones de iluminación, es más fácil y práctico corregir la temperatura de color cuando has usado un solo ajuste. Esto te permite trabajar varias fotos a la vez, en lugar de una por una.

5. Acércate. Como dijo alguna vez Robert Capa, “Si tus fotos no son lo bastante buenas, es que no estás lo bastante cerca.” Si estás haciendo retrato, usa un telefoto corto y acércate. Si estás haciendo paisaje, procura incluir algún elemento en primer plano que ayude a crear el efecto de profundidad.

6. Aplica la Regla de los Tercios. No importa qué estés fotografiando—puede ser un paisaje o un retrato—coloca tu punto importante en alguna de las intersecciones de los tercios y el horizonte en alguno de los tercios horizontales. Si hay líneas diagonales, como las guarniciones de una banqueta o la orilla de un camino, procura que ayuden a conducir la mirada del espectador hacia el sujeto.

7. Verifica tu exposición con el histograma, no en la pantalla. Las pantallas de las cámaras digitales, aun las más caras, son monitores de baja resolución—además de ser pequeños—en los que no es posible apreciar con exactitud todas las tonalidades y otros detalles de la imagen. El histograma muestra una imagen fiel de la distribución tonal en toda la imagen. Algunos, incluso, muestran la distribución de tonos por canal de color.

8. Guarda tus imágenes en formato RAW. Si vas a usar tus fotos tal como salen de la cámara, puedes guardarlas en formato JPEG. Pero si piensas modificarlas posteriormente con algún software para edición o post-producción digital, guárdalas como RAW. Los archivos JPEG están formados a base de pixeles con valores definidos que no es posible modificar con muy buenos resultados.

9. Ajusta la nitidez (sharpening) en la cámara a lo más bajo. Las imágenes digitales están formadas a base de pequeños cuadros. Para dar la impresión de tono continuo, el software de la cámara suaviza un poco las imágenes, con lo que parecen estar “fuera de foco”. Para recuperar la nitidez, es necesario aplicar un filtro, pero siempre es preferible aplicarlo como último paso de un flujo de trabajo, no al principio del proceso.

10. Respalda tus imágenes. A no ser que tengas alguna fijación en las imágenes efímeras, respalda, respalda, respalda. Recuerda que ya no existen los negativos y que es muy fácil que un archivo digital se borre o se dañe. Como mínima medida de seguridad, guarda una copia de tus imágenes originales en un disco externo. Si tu flujo de trabajo implica una gran cantidad de edición y post-producción, respalda también las imágenes trabajadas.

Para más consejos, talleres y tutoriales, visita nuestra página: www.iconofilia.com.

¿Qué es un flujo de trabajo digital?

2011-09-23T19:32:00.002-05:00

A lo largo de su vida, un fotógrafo desarrolla un estilo único que hace que su trabajo se distinga del de los demás. Este estilo se hace presente en todas y cada una de las imágenes del fotógrafo. ¿Quién no puede identificar con facilidad una fotografía de Ansel Adams, de Cartier-Bresson o de Oliviero Toscani? En todos ellos vemos un elemento en común: un control estricto sobre cada uno de los procesos inherentes a su producción fotográfica.

Desde la toma fotográfica hasta el trabajo terminado, sobre todo cuando se trata de impresiones, hay un sinnúmero de variables, lo que hace que mantener un mismo nivel de calidad a veces resulte difícil. Al control de esas variables a lo largo de los distintos pasos de un proceso fotográfico se le conoce como flujo de trabajo.

Se podría pensar que con la fotografía digital este flujo inicia en el momento en que descargamos las imágenes a la computadora, pero en realidad empieza con la planeación, mucho antes de la toma fotográfica.

Una buena fotografía podría ser el resultado de la casualidad, producto de un afortunado accidente, pero las más de las veces será el resultado de una cuidadosa planeación. Aun cuando sólo saliéramos a caminar y, si se presentara la ocasión, tomar un par de buenas fotos, podremos darnos cuenta que no elegimos al azar el equipo que queremos llevar con nosotros. Lo hacemos pensando en lo que nos gustaría encontrar.

Una vez que hemos elegido el equipo, vienen los ajustes iniciales, aquellos que aplicamos por defecto en la cámara en preparación para el tipo de fotos que nos gusta obtener. Entonces, por ejemplo, cambiamos a formato raw, ajustamos el balance de blancos para 5500°K y ajustamos el exposímetro para evitar la típica sobreexposición que produce nuestra cámara. Todo en preparación para un resultado previamente concebido.

Cuando se trata de un proyecto de trabajo para algún cliente, la etapa de planeación es mucho más rigurosa. De hecho, es crítica. Y si somos tan cuidadosos con la elaboración de una lista de cosas que no pueden faltar para una toma determinada, con la elección del equipo adecuado para el trabajo y con la toma misma de las fotografías, ¿por qué no serlo con los procesos posteriores?

Sin embargo, conozco a muchos fotógrafos que creen que basta con llegar a casa y descargar las imágenes a la computadora para que todo esté bien. Algunos conectan la cámara directamente, mediante el cable que viene con ella; otros, creyéndose más seguros, usan un lector de tarjetas. Pero la mayoría pasa las imágenes de un lado a otro arrastrándolas con el sistema operativo. Primer error: este método no garantiza la integridad de las imágenes que con tanto cuidado hicimos. Es importante usar un software especializado que verifique la transferencia de archivos byte por byte.

Por otra parte, una vez que descargaron las imágenes, algunos quizá más precavidos, hacen un respaldo de las mismas en un disco externo, pero muchos, lo digo en serio, muchos nunca hacen respaldos. No debemos confiar en la infalibilidad de ningún dispositivo. Hay que hacer no uno, sino varios respaldos a lo largo de nuestro flujo de trabajo y mantener al menos uno de esos respaldos en una ubicación distinta de los demás, en otra ciudad, incluso. ¿Que suena a paranoia esto? Tengo una amiga cuyo disco duro falló un buen día, como suele suceder, sin previo aviso. En él había no menos de 30,000 imágenes… sin respaldo. Al fin pudo recuperarlas, pero no fue barato.

El siguiente error típico es tratar de hacer correcciones y ajustes con Adobe Photoshop. Sí, Photoshop es una herramienta poderosa, apta para muchas cosas, pero trabaja mediante un sistema destructivo que modifica los pixeles. Entonces, la única manera de mantener nuestras imágenes originales a buen resguardo, es crear copias cada vez que queremos hacer alguna modificación, ocupando valioso espacio en disco duro y contribuyendo con ello a generar problemas de organización, clasificación y respaldo. Respuesta: hay que usar software para edición paramétrica, como Aperture de Apple o Lightroom de Adobe, que aplican correcciones y modificaciones en forma no destructiva y nos brindan prácticas herramientas para la clasificación, organización e identificación de imágenes, además de las herramientas de reencuadre, ajuste de exposición, rescate de luces y sombras, ajuste fino de los colores, contraste, saturación, enfoque, viñetas, etc. En el caso de Aperture, incluso ofrece una forma de respaldar con un solo clic. Lightroom tiene una función para respaldar en el momento de la descarga de las imágenes, pero no ofrece la posibilidad de respaldos posteriores; es necesario hacerlo manualmente.

Finalmente, así como calibramos la cámara hay que calibrar nuestro monitor y utilizar perfiles de color según los dispositivos de salida que deseemos usar. Sólo así podremos mantener consistencia en los colores.

Un flujo de trabajo digital no es una forma de hacer más largo y complicado un proceso, es la única manera de mantener la consistencia en la calidad de nuestras imágenes una y otra vez.

Fotografía 3D

2011-09-10T13:03:00.001-05:00

Parece que siempre ha habido una fascinación por las imágenes tridimensionales. ¿Quién no recuerda aquellos visores View Master en los que se insertaba un disco con pequeñas fotografías en las que los sujetos parecían saltar hacia nosotros?

Actualmente, tanto el cine como la televisión ofrecen el efecto 3D, aunque todavía a un costo que nos hace pensar un poco antes de adquirir la nueva tecnología. Por eso, aquí presentamos hoy una forma de acercarnos a este interesante efecto conocido como Fotografía Anaglífica.

Las primeras imágenes con efecto tridimensional datan de hace más de 150 años, cuando, en 1853, Wilhelm Rollman desarrolló el primer método para crearlas. Desde entonces, ha habido muchas formas de crear este efecto. Una de las más sencillas es a través de pares de imágenes que modificamos para que se vea únicamente una parte del espectro de color y que luego unimos en una sola. Al tratar de corregir la imagen compuesta, el ojo interpreta la diferencia entre las áreas de color distinto como profundidad y volumen.

La Toma

Lo primero que hacemos es buscar un sujeto apropiado. Lo ideal será algo que no se mueva y que presente distintos planos. Si se trata de un paisaje, por ejemplo, habría que buscar que haya algún elemento en primer plano que se quiera hacer destacar del fondo. Si se quiere retratar un solo elemento, habría que buscar que éste tuviera un volumen suficiente para que el efecto sea apreciable. Obviamente, los objetos planos, como algunas fachadas de edificios, sirven poco para este fin, a menos que contengan elementos en relieve. También es posible retratar personas, pero habrá que asegurarse que no se muevan hasta que se haya hecho la segunda toma. El más pequeño cambio— un giro de la cabeza, un parpadeo, etc.—puede echar a perder la toma.

Una vez elegido el sujeto, calculamos la exposición procurando mantener fija la abertura del diafragma, para evitar cambios en la profundidad de campo, y hacemos un par de tomas, variando el eje visual apenas unos centímetros entre una toma y otra. Conviene hacer muchos pares de imágenes antes de ir al siguiente paso y procurar que las tomas sigan siempre la misma secuencia (izquierda-derecha o derecha-izquierda), pues después tendremos que saber cuál es cuál.

El Proceso

Existen varios programas que hacen el proceso en forma automática, pero también se puede lograr mediante un sencillo proceso de unos cuantos pasos con software como Adobe Photoshop. Empezamos por abrir con el programa las dos imágenes correspondientes a uno de nuestros pares. Luego, eliminamos los canales azul y verde de la imagen izquierda y el canal rojo de la imagen derecha. Después unimos las imágenes. Como las hemos tomado desde puntos de vista distintos, éstas no coincidirán por completo, pero de eso se trata. El ligero desplazamiento entre una y otra es lo que nos dará el efecto que buscamos. Sólo trataremos de hacer coincidir el elemento principal de la imagen.

Una vez creada la imagen compuesta, para percibir el efecto tendremos que verla a través de gafas anaglíficas, o sea, gafas en las que el lente izquierdo es rojo y el derecho es cian. Al filtrarse la luz de este modo, el ojo interpretará la discrepancia entre las imágenes que componen el par como diferencias en profundidad, generando la impresión de tercera dimensión.

Vale la pena experimentar con los pares modificados, desplazándolos más o menos o cambiando el punto de enfoque (el elemento principal). Los resultados siempre serán interesantes. Aunque es posible crear imágenes tridimensionales en color (primera foto, abajo), el efecto siempre será mucho más fuerte cuando se trabaja en blanco y negro (segunda foto, abajo).

En Iconofilia ofrecemos también otros divertidos talleres de un día, como éste de Fotografía 3D. Visita nuestra página: www.iconofilia.com. También puedes seguirnos en Facebook o Twitter.

De lo Automático a los Procesos Controlados

2011-09-03T15:07:00.000-05:00

Mucha gente, en especial bajo el pretexto de la practicidad, dispara siempre en formato JPEG y con todo en automático. Un argumento para ello es que de esta manera es menos probable que se les vaya una buena foto. El argumento tiene cierta validez, pero entonces, y en particular en el caso de quien ha comprado una DSLR, ¿de qué sirvió la inversión en una buena cámara? Esto casi equivaldría a llenar la despensa con comida que nunca vamos a consumir.

En gran medida, el propósito de adquirir una buena cámara debería ser aprender a usarla y sacarle todo el jugo posible. Pero tal parece que siempre hay una cierta "urgencia" por salir a tomar fotos, aunque en el proceso se pierda todo el potencial de la cámara. Y, generalmente, cuando hacemos esto, lo primero que hacemos es ir por el camino fácil: dejar todo en manos del sistema de la cámara.

Claro está que las cámaras actuales producen resultados muy aceptables en modo automático y hay, incluso, fotógrafos profesionales que prefieren hacer las cosas así. Sin embargo, vale la pena decir que los algoritmos utilizados por los fabricantes, especialmente cuando se trata de guardar las imágenes en formato JPEG, están pensados para situaciones en las que no se piensa someter las fotos tomadas a ningún proceso de post-producción. Tal sería el caso de los fotógrafos de bodas, quienes suelen tomar tantas fotos que su flujo de trabajo usualmente no contempla los ajustes posteriores en la computadora en virtud de la cantidad de trabajo que esto representaría.

Pero para el fotógrafo que gusta de pensar una imagen antes de capturarla, esto no tendría sentido, pues gran parte de los resultados esperados se lograría sólo en la post-producción. Para ello tendría que disparar en RAW y no en JPEG, pues, como hemos comentado anteriormente, la imagen "cruda" ofrece muchas más posibilidades de ajustes y correcciones "post facto".

Y aquí es donde vale la pena aprender un poco más. El fotógrafo novato suele recurrir de inmediato al uso de software como Photoshop para la corrección o manipulación de las imágenes, pero hay que recordar que Photoshop es una herramienta destructiva y que la única manera de mantener a buen resguardo nuestras preciadas imágenes originales es trabajar con duplicados de las mismas, lo que exige una mucho mayor capacidad de almacenamiento, sobre todo, porque también hay que mantener respaldos de las imágenes trabajadas.

Nuestra sugerencia es, entonces, que antes de llegar a Photoshop se haga todos los ajustes y correcciones posibles de manera no destructiva. Es aquí donde los editores paramétricos, como Aperture y Lightroom, ofrecen una ventaja importante.

Estos editores son relativamente sencillos de usar cuando ya se cuenta con conocimientos básicos de fotografía, pues se tiene una noción más firme de lo que se requiere o de lo que se desea. Las más de las veces, una vez que conoce la edición paramétrica—que puede incluir ajustes post facto de la exposición, del balance de blancos, del contraste, del encuadre, del color, etc.—el fotógrafo descubre que no era necesario llegar a Photoshop para el tipo de ajuste o corrección que deseaba hacer.

Iconofilia ofrece un Taller de Edición Paramétrica con Aperture, dirigido a usuarios de Mac, y un Taller de Edición Paramétrica con Adobe Lightroom, para usuarios tanto de Mac como de PC. Y no se trata nada más de mostrarle al participante para qué sirve cada función del programa: en estos talleres, dirigidos tanto al profesional como al aficionado serio, se busca diseñar un flujo de trabajo que permita a cada fotógrafo hallar la secuencia de procesos que mejor se ajuste a su estilo de trabajo.

Una vez que diseña un flujo de trabajo efectivo, el fotógrafo notará que el tiempo le rinde mejor, cosa importante cuando la carga de trabajo se acumula. Así mismo, sus resultados serán más consistentes, lo que contribuirá, sin duda, a consolidar su estilo y la calidad de sus imágenes, sean éstas para impresión o para uso en la web. Desde la selección de las fotografías que vale la pena conservar hasta la forma más segura de guardarlas y respaldarlas, pasando por todos los ajustes necesarios o deseados, el proceso se realiza siempre sin alterar las imágenes originales y sin generar copias y copias que sólo saturan los discos duros. ¿Qué podría ser mejor que esto?

Te invitamos a conocer más sobre estos procesos no destructivos. Visita nuestro sitio web o síguenos en Facebook o Twitter. Tenemos muchas más cosas interesantes para ti.

—

Iconofilia es un espacio de fotógrafos para fotógrafos, lo que nos permite abordar la instrucción desde una perspectiva perfectamente centrada en las necesidades de nuestros alumnos, es decir, cuando ofrecemos un curso—tanto en la modalidad presencial como en línea (en tiempo real, no a través de videos pregrabados)—es porque nosotros mismos hemos puesto en práctica, en el trabajo cotidiano, lo que vamos a enseñar. Esto nos distingue de muchos otros centros de enseñanza y brinda a nuestros alumnos la seguridad de que aprenderán de verdaderos profesionales.

La Mejor Cámara para Aprender

2011-08-25T13:09:00.000-05:00

A veces me da por deambular por la sección de fotografía de Yahoo! Respuestas. Me interesa saber qué tipo de preguntas tiene la gente sobre este tema. Una de las que con mayor frecuencia aparece es: Voy a iniciarme en la fotografía. ¿Qué cámara me recomiendan?

Las tonterías que la gente contesta son increíbles: “Compra una [...], porque son las mejores.” “La [...] no sirve.” Así nomás. Sin fundamento, sin más explicaciones. Y no falta algún débil mental que, con tal de no quedarse callado, dice algo como: “Busca en Internet. Ahí hay muchas.” Las pocas respuestas serias se pierden entre la gran cantidad de respuestas inútiles.

Tampoco es posible confiar en la publicidad. En estos términos, no es muy diferente de las respuestas que menciono arriba: “14 megapíxeles”, “zoom digital de 20x”, “baterías AA de larga duración (no incluidas)”, “ideal para la diversión en grande”, etc.

¿Cómo, entonces, busca uno su primera cámara?

Un amigo poeta le dice a Roberto Soto, “Voy a salir de vacaciones. ¿Podrías prestarme tu cámara? Es que he visto que toma muy buenas fotos.” Roberto le contesta, “Claro. Y mientras estás fuera, ¿podrías prestarme tu máquina de escribir? Tengo ganas de escribir algunos poemas y tu máquina lo hace muy bien.”

Una vez más, las buenas fotos las hacen los buenos fotógrafos, no las buenas cámaras.

He visto excelentes fotografías abstractas de Elsemarie Norby tomadas con una cámara desechable. Robert de Gast, fotógrafo con una sólida trayectoria que incluye al menos una docena de libros, ofrece un taller en el que demuestra que es posible obtener extraordinarias fotografías con una cámara de apuntar y disparar. Jesús Eduardo López Reyes, fotógrafo de National Geographic, ha tomado muchas de sus mejores fotos usando equipo que él mismo ha fabricado.

Sí, pero entonces, ¿cuál es la mejor cámara?

Si ésta sigue siendo la pregunta, es que no has entendido nada de lo que escribí arriba. La mejor cámara es la que tienes... siempre y cuando sepas usarla bien. Y si estás pensando comprar una, la mejor será la que puedas pagar. Visita la tienda, pide que te muestren las cámaras que estén dentro de tu presupuesto. Tómalas en tus manos. siéntelas. Aquella con la que mejor te acomodes será siempre tu mejor primera cámara. Sin importar la marca o el modelo.

Ya sé que los mejores fotógrafos del mundo, como James Nachtwey o Nick Nichols, usan Canon o Nikon, pero piensa: las fotos que ellos toman no dependen de la cámara que traen, sino de su experiencia como fotógrafos.

Henri Cartier-Bresson usaba una Leica de telémetro con una lente de 50mm; la magia de sus imágenes consistía en saber prever el momento preciso. Sebastiao Salgado opina que no hay que andar corriendo de un lado a otro para encontrar una buena imagen, sino esperar pacientemente a que ésta se presente. Ansel Adams se hizo famoso por sus fotografías de los parques nacionales de los Estados Unidos, en las que hacía alarde de un excelente manejo de la exposición. Steve McCurry tomó una foto que dio la vuelta al mundo en la portada de National Geographic. Ninguno de ellos da importancia a la cámara que tuvo que usar para lograr la foto.

En conclusión, nadie se hace carpintero por el simple hecho de poseer la herramienta necesaria. Si quieres tomar buenas fotos, asiste a una escuela, toma todos los talleres que puedas, aprende a usar tu cámara, no importa cuál sea.

Un Proceso Digital Básico

2011-06-04T12:07:00.001-05:00

Sigo recibiendo preguntas en torno a la capacidad de una cámara digital para brindar resultados aceptables en situaciones de muy alto contraste. Creo que la respuesta es simple: en un mundo ideal, cada foto que sale de la cámara sería perfecta: la exposición perfecta, el color perfecto, la composición perfecta... Pero en la realidad, la toma fotográfica es sólo parte de un proceso.

La producción de una imagen no termina en la cámara. Al igual que en los tiempos de la fotografía análoga, se busca la mejor exposición ahí, pero las más de las veces, en especial cuando nos topamos con situaciones de alto contraste, hay que trabajar en la post-producción. Antes se hacía en el cuarto oscuro; hoy se hace en la computadora.

Veamos. La fotografía siguiente, tomada por mi buen amigo Jesús López Reyes, es un ejemplo claro de una decisión difícil. Si expongo para el exterior, como en este caso, pierdo las sombras; si expongo para el interior, pierdo las altas luces.

Para conservar la tonalidad del cielo azul y el detalle del vitral sobre la puerta del tranvía, fue necesario exponer para el exterior. Y aunque se podría pensar que el interior no es tan importante, la siguiente imagen, ya trabajada en post-producción, nos demuestra que rescatar los tonos de la madera sí valía la pena.

Cabe mencionar que semejante rescate de sombras fue posible gracias a que la foto está en formato raw, de otro modo, la mayor parte habría quedado como negro total. En este caso, se usó Aperture, de Apple, sólo para dar luz a las sombras más profundas sin afectar la zona de las altas luces, en un proceso no destructivo y cuidando que no se produjera "clipping", un fenómeno común en la fotografía digital que se presenta cuando se llega al límite de la información. La revisión constante y cuidadosa del histograma durante el proceso es importante en ese sentido.

Si deseas resolver una duda sobre fotografía digital o sobre los procesos de post-producción, envíanos un correo a info@iconofilia.com.

Podcast de Fotografía y Procesos Digitales

2011-05-24T22:53:00.001-05:00

Desde hace algunas semanas estamos publicando un podcast de video con técnicas, consejos, ejercicios y un sinfín de cosas interesantes para los amantes de la fotografía digital. El podcast, que busca ser semanal y dar respuesta a las inquietudes de quienes nos siguen aquí, en Facebook o en Twitter, está dirigido a todo público y es gratuito. Lo único que tienes que hacer para verlo es ingresar a la página de Iconofilia (www.iconofilia.com) y hacer clic en la sección "Podcast" del menú principal. Agregamos aquí el primero de la serie.

La Fotografía y el Arte

2011-04-27T13:57:00.000-05:00

Parece que aún hay personas que insisten en hacerse la misma pregunta: ¿La fotografía es arte?

Creo que primero se necesita aclarar que no, que la fotografía no es arte, como no lo es la pintura o la escultura o la literatura. Es decir, estas formas de expresión, por sí mismas, no son arte. Lo que podría serlo es lo que hagamos con ellas. Y digo "podría serlo" porque no toda la fotografía es arte, como no toda la pintura o la escultura lo es.

Todo arte es emoción, pero no toda emoción es arte.

Aunque seguro hay quienes quieren creer que toda expresión visual es alguna forma de arte (probablemente para justificar su propio trabajo), yo difiero. Para mí, no basta con crear imágenes interesantes o bonitas. Es necesario demostrar o demostrarse que se domina alguna técnica y que, por ende, las imágenes creadas no son el resultado de un afortunado accidente, sino de un proceso mental perfectamente claro, que se ha concebido y llevado a la práctica. Es la producción de imágenes en las que el espectador pueda ver y reconocer algún rasgo de la personalidad o de la ideología del autor.

Una buena imagen, una que tenga la oportunidad de trascender y quizá llegar a ganarse el título de arte, jamás será una imagen anónima, vacía, producida al azar.

Nueva Publicación en la Biblioteca de Iconofilia

2011-04-02T15:46:00.000-06:00

¿Qué Nos Dice la Fotografía Documental?

Cuando vemos una fotografía en una revista, ¿creemos a ojos cerrados (valga la paradoja) todo lo que nos dice? ¿Será que, en efecto, una fotografía es una representación fiel de aquello que se ha retratado?

En este magnífico ensayo de James Curtis, publicado por American Social History Project/Center for Media and Learning, City University of New York, y traducido al español por Héctor Ulloa, vemos cómo hasta el más serio de los fotógrafos alguna vez se ha prestado a manipulaciones.

El ensayo está listo para descarga desde la Biblioteca de Iconofilia. Visita nuestra página (www.iconofilia.com) y haz clic en el botón Biblioteca. Luego haz clic en el vínculo de la publicación que te interese descargar.

Y si tienes algún material de tu autoría (tendrás que comprobar que eres el autor) que quieras compartir en forma gratuita con otros fotógrafos, háznoslo llegar vía correo electrónico. Lo consideraremos para su inclusión en el sitio.

Novedades en el Sitio de Iconofilia

2011-03-30T14:07:00.000-06:00

Para ustedes que con toda paciencia leen este blog, a pesar de que no publico seguido, hay una buena noticia: ha habido cambios interesantes en el sitio de Iconofilia. Para comenzar, hay una Biblioteca, donde se estarán publicando diversos temas a manera de folletos, fascículos coleccionables e incluso libros sobre fotografía digital y todos los procesos inherentes, como edición, post-producción, manipulación, etc. De hecho, ya pueden descargar el primero. Se trata de un Glosario de Términos relacionados con los procesos digitales. Un elemento necesarísimo para cualquiera que se diga interesado en la fotografía digital. ¿El precio? Nada. Así es. Es totalmente gratuito y se puede descargar en formato PDF (para leer con Adobe Reader) o en formato ePub (para leer en tu iPad, iPod o iPhone). Y vienen otros en camino.

También habrá (muy pronto) una sección de Podcasts. En donde podrás ver tutoriales en video sobre los temas más recientes, relacionados también con la foto digital.

Échale un vistazo a la página (www.iconofilia.com). Seguro encontrarás algo interesante.

Más sobre HDR...

2010-12-31T10:56:00.000-06:00

Tal parece que HDR se está convirtiendo en el efecto que todos deseamos pero que por alguna desconocida razón, no nos sale. Creo que lo que sucede es que no entendemos totalmente de qué se trata, así que si llegáramos, no sabríamos que ya estamos ahí. Aprovecharé este blog y las preguntas que me han hecho unos amigos para explicarlo un poco.

Hace varios años, el maestro de maestros, Ansel Adams, ideó una técnica para lograr exposiciones perfectas a la que llamó Sistema de Zonas. Se trataba de medir todos los puntos posibles en una imagen y decidir, según una tabla de valores escalonados, con cuál de todas las mediciones haría la toma, de manera que la película registrara la mayor cantidad de información tanto para las sombras como para las altas luces. Luego, en el cuarto oscuro, revelaba la película en consecuencia, alargando o recortando el tiempo de revelado según la toma y quemando o reservando a la hora de imprimir. El resultado lo conocemos todos (bueno, todos los que buscamos control en la exposición). He aquí una muestra de su trabajo:

Grand Tetons. Ansel Adams. The National Archives.

Adams había determinado una gama tonal de 10 zonas, es decir, una diferencia de 10 pasos de diafragma entre el blanco más blanco y el negro más negro. Los exposímetros están calibrados para brindar una lectura global promediada que se ajusta a la zona IV, conocida como gris de 18% de reflectancia. Al hacer la toma, Adams decidía qué parte del paisaje, en este caso, debería tener esa tonalidad de gris y ajustaba la exposición para que así fuera. Por ejemplo, si hubiera decidido que la ladera de la montaña del fondo debía ser gris de 18%, haría la toma midiendo la luz precisamente en ese punto. Si al hacerlo, alguna otra área caía fuera de las zonas extremas, hacía los ajustes necesarios en el cuarto oscuro.

En la fotografía digital se hace prácticamente lo mismo, pero ya no en el cuarto oscuro, sino en la computadora. Como el sensor de las cámaras digitales no tiene la misma latitud de exposición de la película (léase "rango dinámico"), cuando el sujeto presenta una gama tonal mayor a la que el sensor puede captar, aun en raw, hay que hacer varias tomas y luego mezclarlas con un software apropiado, para rescatar el detalle de los extremos de la gama. La siguiente fotografía es un ejemplo de lo que obtenemos cuando dejamos la cámara en automático:

La cámara nos da una lectura general que, promediada, equivale a un gris de 18%, pero si queremos tener más detalle en los árboles, por ejemplo, el cielo se vuelve totalmente blanco. Si queremos detalle en el cielo, los árboles y la cabaña se tornan negros. Si ajustamos la curva de tonos, es tal la diferencia de pasos (seis, en este caso) que alguno de los extremos se saldría de la gama tonal. es aquí donde la fotografía HDR funciona mejor. Quiero detalle en los árboles y en el cielo, al mismo tiempo. También quiero un mejor contraste y que resalten las texturas de la cabaña. Entonces entro a la fase de ajuste individual de tonos o "tone mapping", de HDR.

En la foto de arriba, resultado del ajuste de tonos en HDR, puede verse cómo se ha rescatado el detalle y la textura de los árboles sin perder la textura del cielo. Así mismo, el micro-contraste de la cabaña se ha mejorado para hacer resaltar la textura del muro y del plástico que cubre las ventanas. Se mejoró la exposición en el área de la cabaña para mostrar su interior. Para eliminar algo de la bruma atmosférica, se aumentó la saturación y se modificó la temperatura de color para darle calidez. La imagen resultante, un archivo tiff de 32 bits, luego se modifica para obtener un archivo susceptible de usar para impresión o para la web.

La fotografía HDR no es magia ni es un proceso automático. Requiere que el fotógrafo sepa, de antemano, cuál es el resultado que desea obtener... como lo hacía el maestro Ansel Adams.

Visita www.iconofilia.com.

Próximo Curso de Foto Digital en Toluca

2010-12-24T10:12:00.000-06:00

La buena fotografía es el resultado de un buen conocimiento de la cámara y sus funciones, de una noción clara de la forma y el color en relación con la luz, y del desarrollo de una forma de expresión a través de las imágenes. Es el producto de años de incesante práctica y una clara idea de lo que se quiere lograr, no de un afortunado accidente.

Para hacer buena fotografía, no basta con retratar lo que todo mundo ve, sino lo que nosotros vemos... cómo lo vemos... qué nos dice cuando lo vemos nuevamente, ya convertido en imagen capturada.

Con esto en mente, decidimos abrir un curso práctico, profundo, de fotografía y retoque digital. Se trata de un curso de 64 horas de duración total, que se llevará a cabo en 20 sesiones sabatinas, en horario de 10 a 14 horas.

El curso-taller (definido así pues la mayor parte es práctica constante) está dirigido a usuarios de cámaras DSLR (cámara réflex digital) y comprende tres áreas esenciales: la exposición (manejo de la cámara y la luz), la composición (la colocación armónica de los elementos que conforman la imagen, incluyendo tanto forma como luz y color) y el contenido (que es el desarrollo y manejo de un lenguaje fotográfico).

Durante el curso, el participante diseñará también un flujo de trabajo efectivo en el que resaltan la edición paramétrica (no destructiva) y la organización y resguardo de imágenes. Cubriremos, también, aspectos como la post-producción con Adobe Photoshop, la conversión a blanco y negro y la fotografía HDR, a través de ejercicios de paisaje urbano y natural, fotografía editorial y ensayo fotográfico de figura humana.

Cada participante deberá cubrir al menos 60 horas adicionales de trabajo por su cuenta, realizando tomas fotográficas y procesos de edición y post-producción.

El curso inicia el sábado 8 de enero de 2011 y concluye el sábado 23 de abril. Hay una cuota de inscripción de $500 (que no aplica si pagas el curso de contado) y cuatro pagos mensuales de $1,100 cada uno. Los requisitos para tomar el curso son: una cámara DSLR (cualquier marca y modelo) y computadora portátil con el software necesario instalado.

Para mayores informes e inscripciones, puedes visitar nuestra pagina: www.iconofilia.com.

¿HDR o sólo ajuste de sombras?

2010-12-20T09:33:00.000-06:00

Cada vez que aparece algo nuevo en el mundo de la fotografía digital, no falta quién diga que ya no es posible trabajar sin ello. Tal es el caso de HDR o fotografía de alto rango dinámico (Perdón por el uso incorrecto de "rango". Debería ser "gama tonal", pero como nos da por adoptar palabras antes que traducirlas...).

¿Para qué sirve el HDR? En principio, para lograr una gama de tonos mayor a la que el sensor de la cámara puede brindar en condiciones normales. Como cuando tenemos una escena muy contrastada, por ejemplo. Entonces, tomamos una lectura (de preferencia con un exposímetro de punto) de la zona más oscura y otra de la zona más clara y, con la cámara montada en un tripié y sin variar la abertura, empezamos a hacer una serie de tomas escalonadas. Luego, abrimos la imagen con algún software para HDR (Photoshop CS5 tiene uno muy bueno) y unimos todas las imágenes. El resultado puede ir desde lo asombroso hasta lo falso. Es ahí donde mucha gente se atora, porque no entiende lo de "tone mapping" (o mapeo de tonos, como dicen algunos), decide que la buena exposición ya no importa y lleva sus imágenes al mundo de lo surrealista. Cada quién.

Pero no siempre es necesario llegar al HDR y si lo fuera, no es necesario exagerar. En especial cuando se trata de simplemente lograr una mejor exposición. Veamos estas dos imágenes:

Esta es la foto original. Aquí, si hubiéramos hecho caso total del dicho, "exponer para las sombras y revelar para las altas luces", el exposímetro de la cámara habría sido "engañado" por el predominio de sombras, lo que habría hecho que se dispararan las altas luces fuera de la capacidad de captura del sensor. La diferencia de exposición entre las sombras y las áreas iluminadas es tan grande, que no habría sido posible captar ambas con precisión. Se buscó, entonces, el punto máximo para las sombras en el que las luces no se perdieran. Para ello nos basamos en el histograma de la cámara.

En esta segunda foto, ya trabajada, hemos rescatado el detalle de las sombras sin sacrificar las altas luces. Esto no fue posible gracias a HDR sino al uso del formato raw. Cuando fotografiamos con este formato, la cámara guarda toda la información (hasta cierto punto) tanto de sombras como de luces, pero no la muestra en el histograma. Sin embargo, ahí está y es posible extraerla con un simple ajuste de curvas. Es, por así decirlo, nuestro "margen de tolerancia".

Pero este margen no existiría si hubiéramos tomado la foto en formato JPEG, pues al momento de guardarla, la cámara la procesa, eliminando toda la información que considera innecesaria.

Está claro que el formato raw requiere trabajo de post-producción, pero vale la pena aprender a hacerlo. El resultado es muy gratificante y podría ahorrarnos la necesidad de tomas escalonadas para HDR.

No quiero decir con esto que la fotografía de HDR no sea útil. Al contrario. Creo que HDR es para casos extremos, tanto en cuestión de información como de creatividad.

Un consejo para la fotografía HDR

2010-11-22T13:14:00.000-06:00

Para obtener mejores resultados con la técnica de HDR (high dynamic range), haz una medición del punto más oscuro de la escena y luego una del punto más luminoso. Para ello, puedes utilizar un exposímetro de punto (spot meter) o uno de luz incidental (el de la cámara es de luz reflejada, ¡cuidado!).

Toma nota de la diferencia, en pasos de diafragma, entre una lectura y otra. La cantidad de pasos de diferencia será igual a la cantidad de tomas que deberás hacer para obtener un buen resultado.

Recuerda que cuando realizas tomas para HDR, debes variar la exposición moviendo la velocidad. En todo momento debes mantener fija la abertura del diafragma, para evitar variación en la profundidad de campo y, por ende, en el enfoque.

Por cierto, ya estoy ofreciendo cursos presenciales de foto digital en Toluca. Para mayores informes, visiten www.iconofilia.com o escriban a info@iconofilia.com.

Saludos.

¿Cuál es la mejor cámara?

2010-11-20T14:09:00.000-06:00

Es increíble la frecuencia con que la gente hace preguntas como esa. ¿Qué cámara debo comprar? ¿Cuál es la mejor cámara para iniciarme en la fotografía? ¿Qué cámara me recomiendas? ¿De cuántos megapixeles?

Creo que la cosa es así: Si ya tienes una cámara, ésa es la mejor. Si estás pensando comprar una, entonces la respuesta te la dará tu presupuesto. En cuanto a marcas, todas son buenas para alguien que comienza. Hoy por hoy, Olympus, Pentax, Sony, Samsung y Panasonic están produciendo cámaras que compiten de igual a igual, a veces con cierta ventaja, con Nikon y Canon. No compres una marca sólo porque viste que un fotógrafo famoso la usa. Incluso si tuvieras una cámara de la misma marca y modelo que las que usa Steve McCurry, las posibilidades de lograr una foto como aquella de la chica afgana que apareció en la portada de National Geographic serían remotas, sobre todo si nunca has salido de tu colonia.

Por otro lado, si ya estás pensando hacer carrera en el campo de la fotografía, entonces dependerá en gran parte del ámbito en el que deseas desenvolverte. Lo explicaré así:

Si lo que te interesa es la foto de deportes, necesitarás una cámara capaz de realizar muchas tomas seguidas, en ráfaga, digamos, 6 o más cuadros por segundo. Necesitarás, además, lentes largos, en la gama de los súper-telefotos (400mm o más) con una abertura máxima de f2.8 para que puedas disparar con velocidades de obturación altas (1/640s o más) y "congelar" la acción. Aunque para usar este tipo de lentes se sugiere siempre un tripié, no siempre resulta práctico andar cargando uno en un estadio, así que lo ideal es disparar a mano firme. En este caso, tu cámara deberá producir muy buenos resultados a niveles ISO muy altos, es decir, deberá tener un muy buen manejo del ruido digital.

Si lo que te interesa es la fotografía de sociales (bodas, XV años y esas cosas), la cámara no es tan importante como los lentes y la iluminación, sobre todo porque siempre habrá tiempo para el retoque digital (para lo que recomiendo la edición paramétrica o no destructiva que se puede lograr con Aperture de Apple o con Adobe Lightroom). Necesitarás un angular de moderado a amplio, para las fotos de ambiente, y un telefoto de mediano a largo, para aislar a tu sujeto en un retrato. Un par de buenos flashes, equipados con difusores, complementan tu equipo básico.

Si tu interés anda más bien por el lado de la fotografía documental, mi preferencia sería un súper angular (24mm o menos en una cámara de cuadro completo, 16mm o menos en una cámara con sensor APS-C), pues me permite fotografiar a las personas muy de cerca sin que se den cuenta. Por otra parte, me permite hacer tomas amplias que me sirvan luego como referencia ambiental. Un telefoto corto me ha servido bastante bien como complemento. Si tu interés es el periodismo, te hará falta un lente muy luminoso, digamos, f1.8 o mejor, para tomar fotos al instante, en diversas situaciones de iluminación.

Alguien me preguntó alguna vez qué necesitaba para hacer fotografía de producto. Si en verdad te interesa ese campo, o el de la foto de moda, deberás contemplar una inversión cuantiosa en iluminación y en una cámara de formato medio a grande. Sí, he visto una que otra buena foto tomada con cámaras de 35mm, pero no es ésta la herramienta ideal.

En cuanto a las diferencias entre los principales rivales, Nikon y Canon, he oído que Nikon produce tonos más cálidos, ideales para retrato, mientras que Canon produce imágenes más saturadas, ideales para paisaje. La verdad: yo doy a mis fotos el tratamiento que necesito en la post-producción. Y si sirve de algo saberlo, uso Nikon desde hace muchos años, pero algunas de las fotos que más me gustan, de la era de la fotografía análoga, las tomé con una Pentax MX, con una Olympus OM-2 y con una Konica TC.

Lo más importante: si realmente quieres entrar al mundo de la fotografía, olvida las cámaras de bolsillo, a no ser que sean susceptibles de ajustes personalizados, como la Canon G-11. Busca una cámara cuyo visor sea óptico, no electrónico y, de preferencia, que sea de pentaprisma y no de espejos. Ah, y los megapixeles nada tienen qué ver en esto. Cantidad no es sinónimo de calidad y esto aplica perfectamente en la fotografía digital.

Podcasts y Webcasts

2010-11-19T18:53:00.000-06:00

Hace rato que no escribía. Estaba ocupado revisando la multitud de videos y tutoriales que aparecen en la Internet actualmente. La verdad es que algunos me han parecido interesantes, pero la gran mayoría parece venir de personas que se sienten expertas en algo que realmente no conocen. Es como lo que llamo el "síndrome del fotógrafo celular", o sea, la cantidad de personas que porque tienen acceso a una cámara ya se sienten fotógrafos.

Hace unos meses, una amiga a quien aprecio mucho, me mostró unas "fotografías" que tomó durante un viaje por Europa. Las imágenes, una serie de borrones de colores, distaban de ser, en mi opinión, fotografías serias. Y así se lo hice saber. No basta con la intención. Si se desea hacer fotografía, hay que invertir tiempo y dinero en aprender. Y con esto vuelvo a los podcasts o webcasts, es decir, los videitos que hoy abundan en sitios como YouTube, Vimeo y otros canales de televisión por Internet.

Hay que ser críticos. No importa que la persona le haya "echado muchas ganas" a su video. No hay que conformarse con el esfuerzo, hay que buscar siempre los resultados. Sin duda, los mejores videos que he visto están hechos por profesionales, como Scott Kelby, Matt Kloskowski, Deke McLelland o Dave Cross. La desventaja para el mundo de habla hispana es que sólo existen en inglés. Y si buscamos algo en español, bien hecho, del mismo nivel que los de Kelby o McLelland, no hay.

He visto algunos, producidos en España, que si bien, parece que el productor sabe de qué habla, usa un tono tan monótono que podría dormir a cualquiera. Otros dan tantas vueltas al asunto que se pierde el objetivo principal del video.

En fin, podría seguir así ad nauseaum, pero no se trata de sólo criticar. Creo que es tiempo de producir cosas de calidad para el mundo de habla hispana. Así que, si tienen ustedes algo que quisieran saber de Photoshop, Illustrator, InDesign, DreamWeaver, Lightroom o Aperture, los invito a que me escriban (info@iconofilia.com). Trataré de complacerlos. Por lo pronto, tengo algunos videos disponibles sobre la forma de usar Adobe Lightroom, ese extraordinario software para la administración y edición paramétrica de imágenes digitales, y ya inicié unos talleres en línea, en tiempo real (no videos), que puedes tomar desde la comodidad de tu casa u oficina.

Saludos.

No es tan complicado...

2010-05-17T17:54:00.000-05:00

La pregunta que surgió ayer fue: ¿cómo le hago para obtener una imagen de 80 x 100 cm con mi cámara de 10MP?

La respuesta inmediata sería: No se puede. La mayor impresión que se puede obtener, a 300ppi, de una imagen de 10MP es de poco más de 23 x 32 cm. Es decir, no se puede sacar de donde no hay.

Es verdad que hay software, como Genuine Fractals, cuyos fabricantes aseguran puede lograr amplificaciones espectaculares. Pero todo tiene un precio y, en este caso, el precio es la calidad de la imagen.

Para empezar, hagamos algo de cálculos rápidos. Para llegar de 23 a 80 es necesario amplificar al menos 4 veces. Y para llegar de 32 a 100, al menos 3.5 veces. ¿De dónde va a sacar el software los pixeles que faltan? Se los va a inventar. Y claro, como son inventados, no son fieles a la realidad que se estaba fotografiando. Se parecen mucho, pero no estaban ahí cuando se tomó la foto. Entonces, la imagen se verá algo suavizada, en el mejor de los casos.

Entonces, ¿de plano no se puede?

Bueno, sí. Sólo que tendremos que convertir nuestra cámara en un aparato de 40 o más megapixeles. ¿Es esto posible? Técnicamente, no; prácticamente, sí. Bastará con tomar tantas fotos como se requiera para lograr la cantidad de megapixeles que necesitamos. Pero no se trata de tomar varias veces la misma foto, sino tomar la foto en pedazos y luego armarla como un rompecabezas. Sí, ya lo sé, no es sencillo. Nadie dijo que lo fuera. Pero ésta es la solución. De hecho, el aventado de David Bergman lo hizo con la foto de la toma de posesión de Barak Obama. Construyó una panorámica con ¡220 pedazos! ¿El resultado? Una imagen de 1,474 megapixeles. ¡Nada más! La imagen mide 59,783 x 24,658 pixeles.

En resumen: las buenas fotos las hacen los buenos fotógrafos, no las buenas cámaras. ¿Quieres imágenes grandes? Aprende a armar rompecabezas.

Por qué "iconofilia"

2010-04-15T21:03:00.000-05:00

El otro día me preguntaron por qué el proyecto que inicié se llama “iconofilia”. Al parecer, el término les pareció algo “sucio”. Suena como “pedofilia”, me dijeron.

La verdad es que el término ni siquiera existe. Al menos así lo establece el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española (www.rae.es). Sin embargo, el mismo diccionario sí define el término “filia”:

Filia (del gr. Φιλία)

1.f. Afición o amor a algo

Cuando se me ocurrió el término "iconofilia", simplemente pensé en la afición, amor o pasión por las imágenes. Y eso es, precisamente, lo que tratamos de hacer ahí: promover el amor por las imágenes. Sin malos pensamientos. Sin letra pequeña. Sin significados ocultos.

Si hay personas que sólo pueden pensar en el lado negativo de las cosas, allá ellos. Si hay personas que necesitan distorsionar la realidad para sentirse intelectuales o para sentir que así sobresalen o que así demuestran que son hartistas, digo, artistas, allá ellos. Y si hay personas incapaces de disfrutar una imagen sencilla, directa, en la que se pueda ver el dominio que el fotógrafo tiene sobre su cámara, la luz y la composición, qué triste. Yo sigo siendo un ferviente admirador de NatGeo, Cartier-Bresson, Ansel Adams y Sebastiao Salgado.

¿RAW o JPG?

2010-02-06T14:15:00.000-06:00

Algo Acerca de la Edición de Imágenes

La fotografía digital nos plantea al menos un par de consideraciones que parecen encaminadas a confundir más que ayudar: ¿Qué formato de archivo usar? ¿Qué software usar para la edición?

Para empezar, diremos que existen dos tipos de edición de imágenes digitales: la edición paramétrica o no destructiva y, a falta de un término mejor, la edición reticular o destructiva. La primera consiste en la alteración de los valores numéricos que dan forma a una imagen digital, mientras que la segunda consiste en la alteración de los elementos mismos de la imagen (pixeles). La edición paramétrica se realiza con software como Aperture, de Apple, o Lightroom, de Adobe, y permite conservar siempre los valores originales. La edición reticular se realiza con software como Photoshop, de Adobe, y se trabaja alterando los valores originales. La única manera en que podemos salvaguardar la integridad de nuestras imágenes digitales en la edición reticular es trabajando con copias.

Por su naturaleza, los archivos JPG no son susceptibles de edición paramétrica, pues los pixeles ya han recibido valores fijos a través de un proceso de interpretación que se ha llevado a cabo en el procesador de la cámara. En otras palabras, si sometiéramos una imagen JPG a un proceso de edición paramétrica ya no estaríamos trabajando con variables sino con valores fijos, lo que limita las posibilidades.

¿En qué consisten los parámetros “ajustables”? Cuando tomamos una fotografía, hacemos ajustes en nuestra cámara según nuestras necesidades o gustos—ISO, exposición, balance de blancos, nitidez, contraste, etc. En ese momento estamos determinando parámetros que el procesador luego interpretará para convertir los datos en una imagen. Al guardar el archivo en formato RAW, estamos guardando todos los datos, es decir, el valor de luminosidad del pixel y los valores de los ajustes que hayamos hecho, por separado. Sin embargo, si guardamos el archivo como JPG, los datos se guardan como un solo valor resultante.

Imaginemos, para fines de claridad solamente, que tenemos un pixel con un valor de luminosidad “x” al que agregamos un valor de ajuste de blancos de “y” y que la suma de ambos es “z”. Si guardáramos el archivo como RAW, estaríamos guardando la información como “x + y”, donde ambos valores seguirían siendo modificables por separado. En cambio, si guardáramos el archivo como JPG, estaríamos guardando la información como “z”, el valor resultante de la suma de los otros dos.

Los editores paramétricos nos permiten, si trabajamos con un archivo RAW, modificar todos los parámetros por separado, agregando al archivo original un pequeño archivo anexo llamado “sidecar” que contiene las modificaciones que deseamos aplicar. El editor entonces interpreta estas nuevas instrucciones junto con las originales y nos muestra la imagen alterada en consecuencia. Por ejemplo, supongamos que tenemos un valor de exposición 5 y que deseamos aumentarla en 2. El editor paramétrico agregaría una instrucción que, si pudiera leerse, sería algo así: “Valor de exposición: (5) + (2)”. Por lo contrario, si quisiéramos reducir la exposición en 2, se leería así: “Valor de exposición: (5) + (-2)”. Los valores se guardarían justo así.

En cambio, en un editor reticular el proceso se vería así: “Valor de exposición: (5) + (2) = 7” o “Valor de exposición: (5) + (-2) = 3” y el resultado se guardaría como 7 o como 3. Por lo tanto, la siguiente vez que quisiéramos modificar nuestro archivo tendríamos que partir de estos nuevos valores; los originales se habrían perdido. Por eso a éste se le conoce como proceso destructivo.

En conclusión, ¿qué software de edición es el que me conviene usar? Eso dependerá de lo que se desea hacer con las imágenes. Si lo que se busca es corregir o modificar una imagen sin alterar la idea original, los editores paramétricos serían la herramienta por elección. Si lo que se desea es manipular una imagen o la creación artística de imágenes nuevas a partir de las existentes, entonces un editor reticular es la solución.

Te invitamos a participar en nuestros talleres de Procesos Digitales No Destructivos (El Cuarto Oscuro Digital), en forma presencial en nuestras instalaciones en Querétaro o a través de nuestro sistema de educación a distancia. Solicita informes escribiendo a info@iconofilia.com.

Discos atorados en una Mac

2010-01-30T14:17:00.000-06:00

Hace un par de días me preguntaron cómo extraer un CD/DVD atorado en una Mac de las que no tienen el cajón para los discos, sólo una ranura para insertarlos. Hay que probar lo siguiente:

Si tu computadora tiene un botón específico para expulsar discos, oprímelo. Si no lo tiene, oprime la tecla F12. Si eso tampoco funciona, seguramente la computadora piensa que algún programa está usando el disco y no permite su expulsión. Apágala y vuelve a encenderla al tiempo que mantienes oprimido el botón del ratón o del trackpad. En una laptop, puedes intentarlo poniendo la computadora de cabeza al tiempo que reinicias y oprimes el botón del trackpad (suena medio loco, pero así se hace... en serio).

Si nada de esto funciona, el problema es otro y el CD/DVD está verdaderamente atorado. Necesitas llevar tu computadora al taller de servicio más cercano.

Sobre sensores y lentes

2010-01-29T17:40:00.000-06:00

Hace unos días, mi compadre, Marte Miranda, me sugirió que escribiera algo sobre los tamaños de los sensores de las cámaras digitales y su relación con los lentes que vienen con esas cámaras. Me pedía que explicara cómo calcular la longitud focal de un lente a partir de la información que viene impresa en él. La idea me pareció interesante y ya la incluimos en el segundo número de la revista digital de Iconofilia. Chéquenla en www.iconofilia.com o envíenos un correo a info@iconofilia.com y con gusto se las haremos llegar.

Nuevo proyecto en Iconofilia

2010-01-14T21:34:00.001-06:00

Una buena noticia para todos los que viven en Querétaro o que visitan la ciudad con frecuencia: hemos decidido integrar en una sola actividad el Café Digital y los seminarios gratuitos.

Para los que no tienen idea de lo que estoy hablando, cuando empezamos con el proyecto de Iconofilia, concebimos un espacio para compartir con otros algo de lo que sabemos. Así nació el Café Digital, que buscaba convertirse en un lugar de reunión para aficionados a la imaginería digital. Más tarde, iniciamos los seminarios gratuitos, una oportunidad abierta para toda persona interesada en la fotografía digital, pero que no estuviera del todo segura de lo que le gustaría estudiar.

Hoy hemos integrado ambas ideas en una nueva parte de nuestro proyecto y en breve estaremos invitándolos, al menos una vez por semana, probablemente los sábados por la noche, a una reunión gratuita en la que hablaremos de técnica fotográfica, ofreceremos consejos, criticaremos fotos o recordaremos algo de la historia de la fotografía y de los grandes fotógrafos alrededor de una taza de café.

Como siempre, el cupo es limitado y la invitación requiere reservación y confirmación. Para ello, basta con que nos envíen un correo electrónico con sus datos a info@iconofilia.com. Nosotros les avisaremos sobre la siguiente fecha disponible.

Photoshop, ¿para qué?

2009-12-29T13:16:00.000-06:00

Cuando hablamos de fotografía digital, generalmente establecemos una asociación inmediata con el software Adobe® Photoshop® y esto, para muchos, resulta amenazador.

Hay que admitirlo, no todo mundo se siente tan a gusto con las computadoras. Pero, ¿qué hacer entonces? Las soluciones son muchas y muy variadas. Empezaremos por lo que mucha gente hace: nada. Toma un demonial de fotografías, se las muestra a sus familiares y amigos en la pantallita de la cámara y, cuando se llena la tarjeta, las borra y sigue adelante con su vida. Para estas personas, la fotografía es un acto efímero. Está bien. También se vale.

Otro grupo de personas ya sabe sacar la tarjeta de memoria de la cámara y la lleva al servicio de impresión de la tienda de autoservicio o al negocio de fotografía de su localidad. Ahí les imprimen las fotos y, si acaso, en temporada, les dan la posibilidad de crear vistosas tarjetas con las imágenes. Las fotos impresas van a dar entonces a un cajón, de donde las sacarán los descendientes, muchos años después, sólo para preguntar: “Y éste que está aquí, ¿quién es?”

Un grupo más atrevido baja las imágenes a su computadora y las guarda ahí, sin saber exactamente dónde ni para qué.

Hasta aquí, no nos ha hecho falta Photoshop.

Pero cuando uno se torna más observador y más crítico, empieza a ver detalles en sus imágenes: Como que le falta algo de contraste… Si pudiera quitar a esta persona de ahí… Me gustaría cambiarle el color a esta foto… Ésta salió un poco oscura…

Es aquí donde Photoshop hace su aparición… en las mentes de las personas. Entonces entran a la Internet o van a su tienda de software favorita y adquieren la versión más reciente de esta herramienta. ¡Ja ja ja! Más bien, van al tianguis y compran una versión pirata, porque, en México, Photoshop cuesta un dineral, muy por encima del precio de lista en los EE.UU. y está totalmente fuera de alcance para el mexicano promedio (allá, la versión estándar de Photoshop CS4 cuesta US$699.95; aquí cuesta MX$14,000.00). Y así quieren que no haya piratería… pero esa es otra historia. Lo bueno es que a algunos nos es posible adquirir las versiones académicas allá a mucho mejor precio, lo cual, por cierto, resulta muy conveniente. Si tienen la manera de hacerlo, como algún pariente que estudie allá, pueden evitarse problemas y contar con el apoyo técnico y actualizaciones de Adobe.

Fuera del precio, que seguramente desanimará a muchos, al abrir Photoshop por primera vez el usuario novato se queda de a seis. Empieza a curiosear en los menús sin entender realmente para qué sirve cada cosa, no sólo porque el menú esté en inglés, pues la versión en español es menos comprensible que la original en inglés, sino porque cuesta trabajo saber para qué sirve algo que no se conoce. (¿Alguna vez ha tratado de sacarle provecho a un teodolito?) El usuario pronto se da por vencido y cierra el programa pensando que seguramente más adelante, cuando haya tomado más fotos con su cámara digital, entenderá cómo funciona.

La realidad es que para usar la cámara digital no hace falta Photoshop, pues hay otras opciones, aptas para otros tipos de usuario, y para usar Photoshop es preferible tomar algunos cursos que nos enseñen no sólo cómo funciona, sino para qué puede servir. Entonces sí se vuelve una maravilla.

La Foto y Nuestra Fijación Anal

2009-12-11T21:12:00.000-06:00

Sí, la fotografía digital ofrece la oportunidad de disparar y disparar, prácticamente sin costo. Entonces, lo que sucede es que la tarjeta de la cámara se va llenado de imágenes que seguramente ni siquiera nos interesa conservar. Me preguntaba mi amigo Gervacio, Y cuando se me acabe la tarjeta, ¿qué sigue? Claro, bajar las imágenes a la computadora, pero es aquí que comienza el desorden, porque un vez que podemos verlas en una pantalla más grande, nos dan ganas de conservarlas todas, o mejor dicho, no nos atrevemos a deshacernos de algunas, porque es la foto de la niña que me gusta (aunque esté fuera de foco), porque acá está mi abuelita (aunque le haya cortado la mitad del cuerpo)...

La fotografía digital tiene dos facetas importantes. Bueno, tiene más, pero en este blog sólo hablaré de dos: sirve para crear fotos efímeras o para llenar el disco duro de la computadora de basura.

Aquí va la primera. Conozco a mucha gente que se ha comprado el teléfono celular más picudo, de esos que traen cámara de 5 megapíxeles, y que toman fotos de todo lo que ven. Cuando se llena la tarjeta de memoria, la borran y vuelven a empezar. Esas imágenes jamás salen del teléfono. Es más, la mayoría de esas personas (no diré nombres), ni siquiera tienen computadora. Peor aún, ni siquiera tienen con quién compartir las imágenes a través de sitios como Flickr. ¡Qué triste!

La segunda es que la gente que compra su primera cámara digital empieza a descargar a su computadora cuanta foto toma. Al final del día, el disco duro ya pide esquina y muy pronto ya no le cabe nada.

Hay que ser críticos. Ya lo dije antes, si la foto está fuera de foco o movida y esto no ha sido intencional, tírala. No sirve. No importa cuántos megapíxeles tenga tu cámara. NO SIRVE. Mejor aprende a tomar mejores fotos. Es fácil. Y te hará sentir mejor.

Las buenas fotos las hacen los buenos fotógrafos...

2009-12-08T17:13:00.001-06:00

Cada vez que me preguntan qué cámara recomiendo para alguien que empieza, suelo responder: "La que tengas." Es obvio, ¿no? Si no tienes cámara, como que no puedes empezar a tomar fotos. Y si ya tienes una, pues esa es la mejor, porque las demás sólo existen en tu lista de buenos deseos o de sueños guajiros.

Las buenas fotos... ¿Qué es una buena foto? Aquí puede haber muchas opiniones. Como éste es mi blog, puedo decir que, en mi opinión, una buena foto es aquella que deja algo en el espectador, ya sea una foto familiar o una foto artística. No importa. Si no deja nada en el espectador, por muy espectacular que te haya parecido la foto, no sería una buena foto.

¿Te parece difícil de aceptar? ¡Claro! Todos tenemos el ego tan inflado o la autoestima tan baja, que quisiéramos que nuestras fotos, esas que para nosotros tienen un "valor sentimental", fueran buenas para todo mundo. Pero hay que saber reconocer lo bueno (y lo malo) cuando lo vemos. Dejemos el valor sentimental para nuestra intimidad. Si piensas exhibir tus imágenes, empieza a pensar en el espectador.

Y precisamente para pensar en el espectador es que ahora estamos ofreciendo seminarios sobre el lenguaje fotográfico. Mándanos un correo o, si vives en Querétaro, ven a vernos. Estamos en la oficina los sábados, todo el día, y el resto de la semana previa cita.